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sábado, 19 de mayo de 2018

Nexus, Yang Trio y Puré de Viento en el Mad Prog Fest!



Nexus, Puré de Viento y Yang Trio se presentarán el 20 de Mayo a las 20:30 horas en el Mad Prog Fest. La cita es en la Roca (Av. San Martín 6600). Entrada: $150.





viernes, 18 de mayo de 2018

Leo Felipelli - Holograma (2017)


Indie, electrónico, rock y pop. Ahora presentamos una suerte de EP casero que realizó Leo Felipelli, un músico argentino que nos presenta su proyecto, con bocha de sintes, bajo, guitarra, voces y programación (una roland TR-09), luego de mezclar y seleccionar los temas, llegamos a este EP final, canciones con cierta impronta spinettiana, armonías jazz-friendly, valiéndose de la influencia de discos como "Madre en años luz" (Spinetta Jade), "Modern Clix" (Charly García) y "Varios nombres" (Hugo Fattoruso), en música basada en experiencias que atraviesa todo ser humano en una movida artística, creativa e innovadora. Los invito a conocerlo a este tal Leo, el resto depende de ustedes.

Artista: Leo Felipelli
Álbum: Holograma
Año: 2017
Género: Pop rock indie
Duración: 14:10
Nacionalidad: Argentina


Desde 2005 a la fecha tocó en varias formaciones musicales como La Secuela (prog rock), Lapislázuli (prog rock) y su banda actual, Mismo Ser (rock). En 2017, produjo los Ep’s "Mutar" y "Holograma", interpretando todos los instrumentos. Leo representa un nuevo panorama argentino de la música, cercano a Spinetta y a muchos otros clásicos, pero alejado también de ellos en su estética general. Elementos de la música latinoamericana de todos los tiempos y el rock clásico argentino, más una atmósfera moderna, indie y electrónica. Sus bases mantienen un ritmo sólido que forman melodías dulces que se funden con la suave voz de Leo, y sin renunciar a un camino experimental, se explayan temas cortos en un cuasi formato canción, donde la importancia no está tanto en el despliegue instrumental (aunque tiene algunos desarrollos muy interesantes) sino una expansión melódica basada en las líricas.
Un trabajo para que investiguen por ustedes mismos... ya saben, esto es tarea para la casa.




Festejo en el Titanic: la Argentina a los BOTES...

Increíblemente (o no tanto), el neoliberalismo fracasará de nuevo. El macrismo festejó la renovación de las Lebac y la aceptación de las nuevas condiciones de endeudamiento por parte de los acreedores. Así, tiraron la pelota para adelante sin cambiar nada de lo substancial que llevó al país a un atolladero: una bola de nieve de Lebacs que vence mes a mes, un mega endeudamiento que nos hace perder soberanía económica, tasas de referencia altísimas que vuelven imposible cualquier inversión productiva, una inflación que triplica a las metas que se votaron en el presupuesto 2018 y corroe la capacidad adquisitiva de salario, una devaluación que rápidamente se traslada a los precios, sobre todo a los productos de la canasta básica, un panorama recesivo que llevará a bajar la actividad económica y subir el desempleo, tarifas altísimas, una caída acelerada de las reservas: se pide al FMI un crédito de u$s 30 mil millones y se dilapidaron casi u$s 101.000 millones inútilmente para pisar el dolar a 20, que finalmente llegó a 25 y sigue subiendo. Otra vez las fuerzas políticas conservadoras, que tienen un inmenso ejército de economistas dedicado hace décadas a confundir a la sociedad, siguen su rumbo directo al iceberg de este enorme Titanic llamado Argentina.


Ahora sabemos que la bomba de las LEBAC’s del “super martes” no la desarmaron con un preciso y cronometrado trabajo de ingeniería del “mejor equipo de los últimos 50 años”, ni con la apelación de Lilita Carrió al patriotismo de los buenos muchachos del campo para que liquidaran las divisas, ni con el magnetismo personal de nuestro presidente ojitos de cielo y su privilegiada relación personal con Donald Trump.
Fueron necesarias otras herramientas, como apelar a la colaboración generosa y desinteresada de algunos fondos buitres amigos de “Toto” Caputo, como los amigazos de Templeton, que trajeron dólares para suscribir más del 75 % de la emisión de los BOTES a 5 y 8 años emitidos el mismo martes, ampliando en unos 73.250 millones de pesos la emisión anterior.
La cartera que conduce Luis Caputo reabrió la licitación de dos Bonos del Tesoro a cinco y ocho años con tasa de hasta el 16 por ciento: los BOTE 2023 y BOTE 2026. Los BOTE son para navegar con algunos dólares mientras llega el rescate del fondo. Es un bono puente entre el hoy, que se venía hundiendo el Titanic de las #Lebacs, y el día que llegue el FMI, que va a hundir el sistema productivo para sacar a flote el proyecto del Pro.

A muchos nos llama la atención los festejos del macrismo (funcionarios, periodistas a sueldo, trolls del call center) en medio del "supermartes" frente al hecho de la renovación total del sotck de LEBAC’s que se vencían, y la contención de la suba del dólar. Es que, vistos desde una perspectiva racional, las cosas no estaban para festejos, ni mucho menos: en un mes se rifaron más de 9000 millones de dólares de las reservas para contener la corrida (11.500 en lo que va del año), las tasas subieron 14 puntos del 26 al 40% en menos de ese lapso, la inflación de abril (que aun no registra la corrida del dólar) fue la más alta del año y acumuló un 9,6% en apenas un trimestre.
Específicamente con las LEBAC’s, lo cierto es que canjearon 617.0000 millones de pesos a una tasa del 26 %, por 653.000 millones a una tasa del 40 %, que vencen en un mes: no se entendía entonces a que venía tanto festejo.

Hasta que uno revista otros números (como la evolución del tipo de cambio entre diciembre del 2015 y mayo de éste año), y su incidencia en algunas variables.
Si uno repasa desde esa perspectiva los discursos del gobierno en estos casi dos años y medio hablando del "costo argentino" y de la necesidad de "mejorar la competitividad", o las quejas de los empresarios (Rocca, Rattazzi, Pagani) por el alto costo en dólares de los salarios que atenta contra esa competitividad (léase tasa de ganancia empresarial), al mismo tiempo que el presidente se lamenta de que el costo de nuestra energía sea un tercio del de países vecinos como Chile o Uruguay (ahí no le preocupa hacernos perder competitividad con los tarifazos), advertirá cual es el costo en particular que les interesa bajar.
Y vaya si lo están consiguiendo, de allí que está bien que festejen: les sobran los motivos.


Intonarumori: El Arte de los Ruidos

El ruido, aunque acompañó desde siempre a la música, tuvo que ser conquistado por ella. Fue una conquista fulminante que sucedió hace cien años, cuando el futurista Luigi Russolo firmó L'arte dei rumori (El arte de los ruidos), manifiesto en el que se proponía reemplazar los sonidos por los ruidos: "La variedad de ruidos es infinita. Si hoy, que tenemos quizá miles de máquinas diversas, podemos distinguir mil ruidos diferentes, mañana, con la multiplicación de nuevas máquinas, podremos distinguir diez, veinte o treinta mil ruidos diferentes, no para imitarlos, sino para combinarlos según nuestra imaginación". En las tres últimas décadas, el sonido presentado, usado, evocado o articulado en el medio artístico ha confluido en el aglutinante anglosajón "Sound Art" (y también en el alemán "Klangkunst"), y el así llamado "arte sonoro" ha ido consolidándose casi como una nueva categoría artística, gracias a exposiciones monográficas en museos y galerías, a la aparición de bibliografía especializada, al desarrollo de estudios específicos en el ámbito académico y a la aparición de nuevas disciplinas relacionadas con el arte sonoro, como los llamados "Sound Studies", la réplica sonora a los relativamente recientes "Visual Studies". Esta evolución de la música es paralela al multiplicarse de las máquinas, que colaboran por todas partes con el hombre. No sólo en las atmósferas fragorosas de las grandes ciudades, sino también en el campo, que hasta ayer fue normalmente silencioso, la máquina ha creado hoy tal variedad y concurrencia de ruidos. Aunque desde este mismo espacio a nosotros nos gusta adentrarnos en lo que pasa en la calle, en el under y lejor de las galerías, los centros de estudios y ámbitos académicos, al tiempo que exponemos mútiples formas de música experimental nacidos desde lo más profundo (y a la vez, cercano) de este "Intonarumori" viviente llamado "mundo". Finalizamos así una semana dedicada a los orígenes de la música experimental.




Russolo y su Intonarumori, 1914

Desde que el compositor, músico y artista futurista italiano Luigi Russolo publicó "El arte de los ruidos", hace más de un siglo, comenzó una nueva era acerca de cómo interpretar a los sonidos, en la que la escritura y la partitura no están en el centro ni son esenciales para la creación de nuevas obras. Luigi Russolo construye en 1914 lo que él llama la "intonarumori", que son dispositivos para la producción de sonidos mediante un amplio espectro de modulación, sonidos rítmicos similares a los realizados por máquinas, pero sin imitar o reproducirlo. Estos sonidos han de entenderse más bien como "materiales abstractos" liberados de sus orígenes mecánicos y ahora bajo el control humano, escribe Russolo en su extenso "Manifiesto Arte Sonoro". La influencia de todo ello se sentiría en varias aventuras del siglo XX, de John Cage a la música concreta y el lugar de Russolo persiste entonces indisputable: expandió los límites de los materiales, y con ellos los de la música misma.

Luigi Russolo (30 de abril de 1884 - 3 de febrero de 1947) fue un pintor futurista, compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913).
Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia por sus "conciertos de ruidos" de 1913-1914, y una vez terminada la Primera Guerra Mundial, de París en 1921. También es uno de los primeros filósofos de la música electrónica.
Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.
Aunque sus pinturas no tuvieron un amplio impacto, su música y sus instrumentos para hacer ruidos contribuyeron significativamente al movimiento futurista. Además de exponer sus principios en el manifiesto El arte de los Ruidos de 1913, inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en la época.
Wikipedia

Al componer piezas para el Intonarumori, Russolo también desarrolla una nueva forma gráfica de partitura musical. En 1914, el primer concierto de 18 Intonarumori, una obra dividida en ocho categorías diferentes de sonidos, causó un gran escándalo en Milán.
Un movimiento que trata de romper el círculo restringido de sonidos puros de la música formal y conquistar la variedad infinita de los sonidos-ruidos.



jueves, 17 de mayo de 2018

Jason Rubenstein - New Metal from Old Boxes (2014)

Ayer presentamos en sociedad a este tal Jason. Desde su electrónica experimental, Jason Rubenstein se lanza hacia un movimiento radical enfocado al rock progresivo pesado, y esa pesadez no proviene de las guitarras ni de la batería, sino de esos teclados asesinos. Aquí un proyecto donde el tecladista se banca todo él solito y donde nadie lo acompaña, y que suena como si Keith Emerson (ya que hoy hemos hablado de él en el posteo de Ginastera) interpretara el "Vrooom" de King Crimson. Esto parece la banda sonora de una pesadilla, un álbum que cierra con una interpretación de buen gusto y fiel de "The Barbarian" de ELP. Si escucharon el disco que les presenté ayer, sabrán que este tipo se viene con algo bueno, y esta vez tampoco defrauda.

Artista: Jason Rubenstein
Álbum: New Metal from Old Boxes
Año: 2014
Género: Fusion / Heavy prog ecléctico
Duración: 56:18
Nacionalidad: EEUU


Imagino que no hace falta aclarar que aquí los teclados son el instrumento principal. Y se tocan como un martillo golpeando cada una de las notas oscuras que pueblan el disco. La música está en esa atmósfera sinfónica, dramática y potente del estilo de las japonesitas ELP de Ars Nova (por supuesto que si no las escuchaste te las recomendamos, y aquí en el blog cabezón hemos publicado y presentado toda su discografía), en ese estilo de un Keith Emerson medio metalizado sobre bases muy krimsonianas y con un estado de ánimo general muy oscuro, pero que no impide que a veces suene algo de jazz ligero con el piano, o atmósferas de película de terror, en una música instrumental densa y dura, sin baladas ni momentos dulces, y que combina elementos de la vieja escuela del rock progresivo con música contemporánea bien de la actualidad.



Ginastera. Argentinidad, Música Académica y Rock

Ginastera fue uno de los grandes compositores de música académica contemporánea, vivió para la música y dejó un legado invaluable. Alumno de Copland, maestro de Piazzolla, y ni siqueira le faltó inspirar a ELP: su osadía vanguardista lo volvió seductor para músicos de todo tipo, más allá de la academia, y Emerson, Lake and Palmer tomó el cuarto movimiento de su Primer Concierto para Piano y, con su aprobación, lo volvió una canción popular: Toccata. Y uno vuelve a escuchar piezas como "Toccata" que sigue sonando sublime cuatro décadas después.


El 11 de abril de 1916 la nota más importante de los diarios marcaba el escrutinio definitivo de las elecciones presidenciales celebradas 9 días antes. Mientras el flamante Presidente, el radical Hipólito Yrigoyen, se enteraba de la distancia definitiva que le sacaba al segundo, Ángel Rojas, del PAN; en un hospital de Barracas, nacía Alberto Evaristo Ginastera.
A los seis años ya jugaba tocando una flauta que le habían regalado los reyes magos, según cuenta su biógrafa Pola Suárez Urtubey, y en pocos años pasó de las clases particulares a sus estudios formales en el Conservatorio Williams, donde aun antes de graduarse -en 1938- ya había compuesto la suite del ballet Panambí, que sería estrenada en el Teatro Colón pocos años después. Luego pasó al Conservatorio Nacional.
Su destreza e ingenio para la composición le valieron la beca Guggenheim en 1945 y pasó dos años estudiando y mejorando sus capacidades compositivas en Estados Unidos, bajo la tutela de Aaron Copland.

Recordemos que refiriéndose a los comienzos de su producción, Ginastera aceptaba que las obras de su período de estudiante reflejaban, como es natural, el ambiente musical con el cual él convivía, es decir el espíritu argentinista de Williams, López Buchardo y Aguirre, por una parte; y por otra el formado por compositores que reflejaban técnicas más avanzadas, como Juan José Castro o Juan Carlos Paz. Colocado en actitud crítica frente a su obra, Ginastera reconoció tres etapas en su proceso creador. Al más temprano, denominó objetivo, aludiendo a una forma de nacionalismo en el que los elementos de carácter argentinos están presentes de una manera directa y en el que el lenguaje participa aún de elementos melódicos de la música tonal. Es la época de "Panambí", de Estancia, de su "Obertura para el Fausto criollo" y de toda una serie de canciones y de piezas para piano.
La "Pampeana Nº 1" marca el punto culminante de ese período y es a la vez la primera obra que inicia la segunda etapa. Para Ginastera esta obra para violín y piano era como un pivote en el que se manifestaban materiales pertenecientes a las dos épocas. Es que en las obras inmediatamente posteriores, ese carácter argentino comienza a adquirir una nueva fisonomía y el lenguaje musical inicia su evolución hacia la dodecafonía. Este será el estadio que el compositor llama nacionalismo subjetivo. Los elementos folklóricos se convierten en estructuras más profundas, lo que le permite ir logrando un sincretismo cada vez mayor entre esos elementos que provienen de la música nativa y los recursos de base que provienen de la gran tradición culta occidental. La tercera etapa fue denominada por Ginastera neo-expresionista y su punto de partida se sitúa en torno del Cuarteto de cuerdas Nº 2 (1958), para consolidarse en los conciertos, la Cantata para América mágica, Don Rodrigo y Bomarzo, entre muchas otras. Ginastera interpreta que "el material se hace aquí más trascendente mientras el lenguaje musical adquiere mayor poder de síntesis al volcarse abiertamente hacia el serialismo". En opinión del músico, la esencia argentina permanece en todas las obras de su tercer estadio, a pesar de estar ausente cualquier tipo de fórmula rítmica o melódica del folklore. Pero hay una cuarta etapa, la que coincide con sus últimos doce años, es decir los de permanencia en Ginebra, y a los cuales el autor no llegó a definir estéticamente. Se trata de una más nostálgica evocación de los rasgos que lo mantenían artística y psicológicamente ligado a la Argentina o a la América india. Esto significa que hay una continuidad sustancial a lo largo de las cincuenta y cuatro composiciones que forman su obra total, como constancias estilísticas que marcan a fuego su personalidad creadora.
Pola Suárez Urtubey

En 1973, tres músicos se reunieron con Ginastera en Ginebra (Suiza). Tras conocer una nueva versión rockera del Movimiento IV "Toccata Concertada" quedó realmente impresionado. Los Emerson, Lake and Palmer, contaron no sólo con su aprobación sino con la admiración del compositor, admiración mutua por otra parte. La pieza lograda fue muy bien recibida por el público y el disco obtuvo gran éxito.
La revista de rock under Estornudo, que salía en el país a mediados de los años 70, grafica en esta tapa la relación entre el mentor de Emerson, Lake & Palmer y el autor de "Bomarzo".

"Conocía el ‘Tocatta’ de Alberto Ginastera por su Concierto para Piano Nº 1 de 1969. Me impactó por completo. Cuando Carl y yo nos reunimos, él estaba muy interesado en la música de Bartok y otros compositores porque sabía que a mí me gustaban los clásicos. Cuando esta pieza me llamó la atención y comencé a tocarla, Carl me dijo: ‘¿qué diablos es esto?’ Estaba emocionado y quería tocarla. No creo que Greg estuviera tan interesado como nosotros en un principio.
Después que pasaron casi dos semanas de grabación, la dirección nos dijo que primero debíamos obtener el permiso de los editores, que, en este caso, eran Boosey y Hawkes. Me fui a hablar con ellos y me dijeron: ‘pues no. Lo sentimos. No creemos que el maestro Ginastera dé su aprobación.’ No iba a aceptar un no por respuesta. Conseguí su número de teléfono y hablé con su esposa. Al día siguiente, estaba en un avión hacia Génova con Stewart Young, nuestro manager, y fuimos directamente al apartamento de Alberto. Nos ofreció una magnífica comida y nos habló de música y sintetizadores. Tenía un conocimiento aproximado de los sintetizadores y se mostraba interesado. Al final del almuerzo quiso escuchar mi adaptación de su tema.
Yo tenía la cinta así que fuimos a su estudio. Creo recordar que tenía una grabadora Revox. Se la puse y mientras sonaba, Alberto tenía una extraña expresión en su rostro. Parecía estar muy asombrado y dijo algo así como ‘esto es terrible.’ Yo lo interpreté literalmente y pensé que, obviamente, no podría utilizar el tema. Pero luego me enteré que en francés, terrible significa lo mismo que formidable o increíble. De hecho, él estaba completamente abrumado por la grabación, así que todo fue bien."
Keith Emerson


A continuación, un poco de la historia de la incursión de Ginastera en el rock sinfónico de mano de Emerson, Lake & Palmer.




El Largo Trayecto: de la Música al Arte Sonoro


Escuchar con los ojos, ver con los oídos: "El arte sonoro participa o se sirve del sonido y de lo sonoro, esa es una de las características que está implícita en su título, pero no se basa en los principios compositivos que caracterizan a la música en su larga tradición, sino que, atendiendo a la otra palabra que conforma su título, se sitúa en la constelación del arte o, para ser más precisos, en el ámbito de las artes plásticas". El arte sonoro es una estética que engloba y confluyen la música, las artes visuales, la ciencia y a la técnica. Al final, la publicación del último EP de Druida Ox en el blog cabezón disparó una serie de notas sobre John Cage y la música experimental, que aquí seguimos amplificando y enriqueciendo.


El término arte sonoro comprende al grupo de prácticas artísticas que tienen como principal medio expresivo al sonido. Generalmente, se trata de un arte inter-mediático, al punto de que fue definido por Bernard Schulz como "…una forma de arte en la que el sonido se ha vuelto un material más dentro del concepto expandido de la escultura, debido a que la mayor parte de los trabajos presentados se expanden en el espacio y lo reclaman como parte de su naturaleza". Otra definiciones hacen mayor énfasis en el contexto de producción y definen al arte sonoro como: "un término general que engloba a las obras de arte que se focalizan en el sonido y que son producidas para ser instaladas en una galería o museo". El acento está puesto, en ambos casos, en que la diferencia entre el arte sonoro y la música radica en la expansión espacial del sonido en el primero y su independencia, por lo tanto, de la línea temporal de desarrollo que caracteriza a la música; en la percepción de una obra de arte sonoro no se puede hablar de un comienzo, un desarrollo o un final determinados y la pieza puede ser experimentada en un período corto o largo de tiempo.
Para empezar a desaznarnos, lo primero que hacemos es consultar al señor Wikipedia a ver qué nos dice:

Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal objetivo diferentes nociones del sonido, la escucha. Existen normalmente diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo del arte así como de la percepción por los artistas del sonido.
Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonoro es interdisciplinario por naturaleza, tomando formas híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos como la acusticulistica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios de audio y la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de temas creciente.
Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte incluyen a Luigi Russolo y su Intonarumori, y los experimentos que a continuación realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la diversidad del arte sonoro, existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte visual como de la música experimental
El arte sonoro también está relacionado con el arte conceptual, el minimalismo, el spoken word, la poesía avant garde y el teatro experimental.
John Cage es uno de los representantes más importantes dentro del ámbito de arte sonoro y uno de los referentes primordiales de esta vanguardia, además es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo, no solo por sus innovaciones en el campo de la música sino como pensador, escritor y filósofo.
Wikipedia

Luego de esta generalización y primer punto de vista, es también necesario ver de donde viene esta estética, sus ideas iniciales y fundacionales, y sus primeras obras y experimentaciones en ese sentido.


El término surge junto al nacimiento de la SoundArt Foundation de William Hellerman en la década de 1970, que produjo la exhibición Sound/Art en 1983 en el Sculpture Centre de Nueva York. Ganó importancia en la década de 1990 con la instauración en 1996 del festival Sonambiente en Berlín, y la presentación de grandes exhibición en los años 2000 en museos como el Withney Museum en las que se presentaron obras de artistas como John Cage y Stephen Vitiello.
De todos modos, hay antecedentes previos al empleo de este término que pueden ser encontrados en las primeras décadas del Siglo XX. Algunos de ellos son, por ejemplo, los Intonarumori (que ilustra esta nota) del pintor y compositor futurista Luigi Russolo quien también escribió el texto-manifiesto "El arte de los ruidos" que ya hemos publicado en el blog cabezón. Así como otras operación de transformación del sonido como pueden las radio sintesi de Marinetti, o "Weekend" de Walter Ruttman en la que recopiló en 11 minutos una serie de sonidos documentados en una semana en Berlín.



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